SERIES 2017/18: ABC anuncia el regreso de “Roseanne”

La cadena ABC ha anunciado el que podría ser uno de los regresos más esperados de la televisión. Se trata de “Roseanne”, la mítica sitcom emitida entre 1988 y 1997, que llegaría así a su décima temporada. Eso sí, sería una miniserie de tan sólo 8 capítulos (la original, en nueve años, emitió 222), que se emitirán a mitad de la temporada 2017/18. Además, y pese a que hay alguna defunción entre el elenco, la cadena promete el regreso de los protagonistas originales, lo que significaría, sobre todo de cara al gran público, la vuelta de Roseanne Barr, John Goodman… y George Clooney, que era el objeto de deseo de la protagonista. La ficción original cosechó numerosos elogios por su retrato de la familia media americana y su compromiso con el “american way of life”. De tener éxito, y toda vez que ya tuvimos también el regreso de “Expediente X” y el de “Prison Break”… ¿quién sabe? Podríamos asistir a todo un “revival” de míticas series como “Friends” o “Lost”. ¡Por soñar que no quede! Y desde Orgullo Fan… ¡seguiremos informando!

Los hermanos Coen escribirán el remake de "Scarface"

Hace unas semanas os hablamos del remake de “Scarface” (“El precio del poder”, en España), película que será protagonizada por Diego Luna (ver noticia). Ahora sabemos más detalles al respecto, ya que Universal Pictures ha fechado su estreno para el 10 de agosto del próximo 2018, y ha contratado a los hermanos Joel y Ethan Coen para que escriban el guión de la misma, si bien no serán los responsables de su dirección. Firmar el libreto de una producción no es algo ajeno para los ganadores del Oscar por “No es país para viejos”, ya que últimamente se han prodigado mucho en este sentido con el “Invencible” de Angelina Jolie o “El puente de los espías” para Steven Spielberg. Este mismo 2017 también harán lo propio para su colega George Clooney en “Suburbicon”, película que el actor dirigirá con Matt Damon, Julianne Moore, Josh Brolin u Oscar Isaacs como protagonistas. Por último, los Coen también han firmado con Annapurna Televisión para encargarse de la miniserie “The Ballad of Buster Scruggs”, seis historias independientes del género western que también podrían tener algún estreno limitado en cines. De todo estos proyectos, en Orgullo Fan… ¡seguiremos informando!

Crítica de "TOMORROWLAND" (2015)

Año: 2015. Productora: Walt Disney Pictures. Director: Brad Bird (“Los increíbles”... ver crítica). Intérpretes: George Clooney (“Gravity”), Britt Robertson (“La Cúpula”), Judy Greer (“Ant Man”), Hugh Laurie (“House”), Tim Mcgraw (“El invitado”), Raffey Cassidy (“Blancanieves y la leyenda del cazador”). Presupuesto: 190 millones de dólares. Recaudación: 196 millones.

Sinopsis: Unidos por el mismo destino, una adolescente inteligente y optimista llena de curiosidad científica y un antiguo niño prodigio inventor hastiado por las desilusiones se embarcan en una peligrosa misión para desenterrar los secretos de un enigmático lugar localizado en algún lugar del tiempo y el espacio conocido en la memoria colectiva como “Tomorrowland”.

Crítica: “Si yo fuese por la calle y viese a un niño con un “jet pack” volando por encima, creería que todo es posible. Sería una inspiración. ¿Eso no harían del mundo un lugar mejor?”. Cuando yo era un niño, la magia estaba en los cómics y en las series de dibujos animados. El cine tenía un calado poderoso, por supuesto, pero todavía no era capaz de hacer todo lo que la mente humana podía soñar (o al menos, no de la manera en que fuese del todo creíble). Hoy en día, sin embargo, los avances en efectos visuales y, sobre todo, el género superheróico, han roto esa barrera y resulta muy difícil que la visión de alguien volando (sobre todo, si lo hace con una mochila cohete) pueda despertar nuestras emociones más olvidadas. Que Brad Bird lo consiga apelando sobre todo a la nostalgia es ya de por sí un mérito, sobre todo teniendo en cuenta que fue uno de los primeros en “normalizar” el mencionado fenómeno de los superhéroes con sus “increíbles” de los que ya prepara una secuela, quizás para resarcirse del varapalo que le ha supuesto esta cinta tan personal, por la que rechazó ocuparse de la nueva “Star Wars”. Y no es que “Tomorrowland” vaya a pasar a la historia como una de esas debcles económicas de órdago, pero que “sólo” hay conseguido recuperar su mastodóstico presupuesto… y eso gracias a la taquilla mundial… sin duda no entraba dentro de los planes de Disney, quienes demostraron tener una fe ciega en el proyecto. Quizás las críticas que suscitó en su estreno en USA se deban a ese escepticismo general en el que se encuentra el mundo de hoy en día, donde un relato con espíritu “naif” no tiene cabida, o quizás fuese debido a una campaña de márketing con uno de esos tráilers sangrantes que mostraban más de lo que debiesen, pero el caso es que no se entiende la tibia acogida que ha tenido y la nomino desde ya a futura cinta de culto de las siguientes generaciones. Y es que, el “factor Spielberg” está muy alto en la cinta de Bird. Y no, el rey Midas no ha tenido nada que ver en la gestación directa del film, pero su visionado recuerda mucho a sus películas de los primeros años y aquellas que ayudó a levantar con su productora Amblin. También hay ecos de “Inteligencia Artificial” uno de sus últimos films más reivindicables. Precisamente, el propio Spielberg está sufriendo en los últimos años un claro declive en el calado dentro de los críticos y parte del público. ¿Querrá esto decir que estamos ante “la muerte de la magia en el cine”? esperemos, por la cuenta que nos trae, que no sea así. O entonces, tendremos que ser nosotros los que inventemos otro mundo al que emigrar. Un “mundo del mañana” donde todo sea posible.

Resumiendo: con el cínico House televisivo haciendo de Capitán Garfio, una niña-robot de trasunta Campanilla y Clooney de ex “niño perdido” Peter Pan, la última apuesta del realizador de “El gigante de hierro” es una cinta de aventuras para todos los públicos con el sello distintivo Disney y un universo propio mimado hasta el detalle, con claro sentido ochentero. Recomendado exclusivamente para todos aquellos que no se han cansado de luchar por sus sueños.

Memorable: recuperar ese sentido de la aventura como un viaje inesperado, de final incierto pero de recompensa inimaginable. Eso, y que el protagonismo de Clooney, principal figura del cartel, esté al servicio de la historia y no supedite la misma.

Mejorable: sí es cierto que podríamos criticar un ligero declive en el tramo final, con las expectativas yendo de “más a menos”, aducidas quizás al hecho de que el famoso “Tomorrowland” del título no deja de ser una excusa, en una especie de “coitus interruptus” que te deja con ganas de más.

Parafraseando: el hermano pequeño de Cassey le pregunta por qué están intentando desmantelar la lanzadera de Cabo Cañaveral que da sustento a su padre: “Porque es difícil tener ideas… y muy fácil rendirse” “Pero tú no te rendirás. ¿A qué no?” “Nunca”.

Crítica de "Abierto hasta el amanecer" (1996)

Año: 1996. Director: Robert Rodríguez (“Sin City”). Guión: Quentin Tarantino (“Malditos bastardos”). Intérpretes: George Clooney (“ER/Urgencias”), Quentin Tarantino, Harvey Keitel (“Malas calles”), Juliette Lewis (“Asesinos natos”), Salma Hayek (“Frida”), Cheech Marín (“Machete”), Danny Trejo (“Desperado”). Presupuesto: 19 millones de dólares. Recaudación: 25 millones.

Franquicia: la película dio paso al film documental “Full Tilt Boogie” (1997), que seguía el proceso de rodaje de la cinta original, y dos secuelas, “Texas Blood Money” (1998) y “La hija del verdugo” (1999), amén de una serie de televisión emitida desde 2014, y un videojuego. Ninguna de las continuaciones, sin embargo, contaba ya ni con Tarantino ni Clooney, y sólo Rodríguez permanecía como productor ejecutivo. Una cuarta película estuvo en desarrollo en 200, sin que finalmente llegase a ver la luz.

Sinopsis: los hermanos Seth y Richard Gecko han conseguido eludir a la justicia y se dirigen a El Paso, más allá de la frontera mexicana, para disfrutar de su botín. Pero para conseguir cruzar hasta México no tendrán más remedio que retener al pastor Jacob Fuller y sus dos hijos. El particular grupo llega hasta “Teta Enroscada” (“Titty Twisted”), un tugurio de mala muerte en mitad del desierto que, sin ellos saberlo, es un nido de vampiresas.

Entre amigos: desde que se conocieron cuando ambos presentaban en los festivales sus respectivos debuts, Rodríguez y Tarantino se hicieron amigos hasta el punto de que años después rodaron el proyecto conjunto “Grindhouse”. Tarantino se pasó todo el rodaje metiéndose con Clooney, quien previamente había rechazado uno de los papeles principales de “Reservoir Dogs”. En dicho film, ejercía de cabeza de cartel y productor ejecutivo Harvey Keitel, que aquí repite, en este caso como sacerdote renegado. Lewis, por su parte, fue protagonista de los “Asesinos natos” de Oliver Stone, uno de los primeros guiones de Tarantino. Por último, tanto Hayek como Trejo y Marín son habituales de la firlmografía del realizador chicano. Igualmente, el ranger de Texas Earl McGray, al que interpreta Michael Parks, repite en varias películas de ambos directores. La película entera está llena de guiños cinéfilos auto.referenciales.

Crítica: “¿Qué es esto?” “Se llama puñetazo”. Rodríguez, en realidad, siempre quiso ser un realizador de serie B o Z. idolatraba al John Carpenter de “Asalto a la comisaría del distrito 13” o “Rescate en Nueva York” y quizás el éxito de su película casera, “El mariachi”, elevó demasiado las expectativas de las “majors” de Hollywood. Consciente de ello, de que su segunda película podía hacerle caer de un golpetazo desde el pedestal al que le habían subido, se apresuró a comprometerse en varios proyectos que incluían la secuela “Desperado”, un episodio de la película a cuatro manos “Four Rooms” y la que hoy nos ocupa. Ésta “From Dusk Till Down”, aunque muchos no lo saben, fue una petición expresa de la empresa que realizó los efectos visuales, ya que querían darse a conocer en Hollywood. Tarantino les escribió el guión y Rodríguez dijo: “¿Por qué no?”. De ahí viene la parte más criticada del film, que parece romperse (y caer en la casquería más vulgar) en su tramo final, que venía impusto por contrato. Pero “Abierto hasta el amanecer” es una película lapidaria que se ha convertido en objeto de culto con el paso de los años, desde el tatuaje tribal de Clooney hasta el baile erótico con la boa que tanto han repetido las strippers de todo el mundo. Prueba, además, de la energía con la que desembarcaron Rodríguez & Tarantino, con ese demoledor prólogo marca de la casa y el travelling posterior con el coche en movimiento con una imagen insertada donde descubrimos a la cajera de supermercado metida en el maletero. Todo ello, con un Clooney en plan estrella, jugándosela con este regreso al cine tras haber protagonizado algunos bodrios en su juventud, previos a su éxito televisivo. Para otro día dejaremos el análisis de la productora Dimension Films, que sobre todo durante los noventa, se especializó en subproductos que dieron más de un braguetazo en la taquilla. “Bienvenido a la esclavitud” “No, gracias… Ya he estado casado”.

Resumiendo: en el largo tiempo que transcurrió entre la realización de “Jackie Brown” y “Kill Bill”, Tarantino se dedicó a ver muchas películas de todas las partes del mundo, engancharse a series de televisión y escribir distintos borradores. Él justificaba su inactividad aduciendo que quería “mantenerse fresco” y que cada película fuese realmente un acontecimiento. Una frescura que muchos se atrevieron a decir que había perdido tras el visionado de la mencionada adaptación de la novela de Elmore Leonard. ¡Qué ilusos! “Abierto hasta el manecer”, no obstante, se encuentra dentro de sus primeros trabajos como profesional en Hollywood y habla mucho de esa “frescura” a la que hace alusión el cineasta: está llena de momentos brillantes, originales, contundentes… y también algo inmaduros, por qué no decirlo. Sin ser “perfecta”, hoy en día es una cinta de culto imperecedera. Que ya es decir.

Memorable: una banda sonora con temas sensuales y contundentes. Lo del grupo Tito & Tarántula convertidos en vampiros y tocando una guitarra fabricada con un cuerpo humano… muy friki.

Mejorable: ¿qué más se recuerda de esta película que todavía no se haya mencionado? En efecto, el monólogo de Cheech sobre los tipos de chochos que podrán encontrarse en el local. Eso, y algunos diálogos un tanto racistas sobre los retrasados mentales o los asiáticos.

Parafraseando: huérfana de toda su familia, al final de la aventura Kate pregunta a Seth si puede acompañarle hasta El Paso. Éste se niega, rotundo, soltando uno de esos chascarrillos que te hacen pasar a la historia del cine y convierten a tu personaje en un icono: “Puede que sea un cabrón… pero no soy un puto cabrón”.

Crítica de "MONUMENTS MEN"

Año: 2014. Escritay dirigida por: George Clooney (“Gravity”). Basada en: el libro homónimo de Robert M. Edsel. Intérpretes: George Clooney (“Los descendientes”), Matt Damon (“Interestellar”), Bill Murray (“Lost in translation”), John Goodman (“El vuelo”), Cate Blanchett (“Blue Jasmine”), Jean Dujadin (“El lobo de Wall Street”), Bob Balaban (“Moonrise Kingdom”). Presupuesto: 70 millones de dólares. Recaudación: 155 millones.

Sinopsis: conocidos como los “guerreros del arte”, los Monuments Men fueron un curioso batallón formado durante la II Guerra Mundial destinado a recuperar las obras expropiadas por los nazis, con el noble fin de salvarlas de la destrucción y devolvérselas a sus legítimos dueños.

Crítica: “Creo que he pisado una mina de algún tipo” “¿Para qué has hecho eso?” “Ya ves… me aburría” “Yo no me movería” “Pues a mí me gustaría, la verdad”. ¿Qué fue el “Rat Pack”? Una pandilla de colegas de alto nivel que, a la muerte de Bogart, se unió en torno a la figura de Frank Sinatra y juntos hicieron películas, conciertos e incluso propaganda política. Allí estaban Dean Martin, Sammy Davis Jr., Peter Lawford o Joe Bishop y juntos también se llevaban a las mejores nenas de Hollywood: las Gardner, Monroe, Garland y compañía. A nivel cinematográfico, nadie esperaba mucho de ellos, más allá de resultar mínimamente divertidos y que su química traspasar la pantalla con sus bromas privadas y sus diálogos de doble sentido. Eran los años 50 y 60, así que… todo valía, la verdad. Pero hoy en día es otra cosa. Y si te llamas George Clooney y juntas en un reparto a lo más granado de la industria y, con una premisa interesante… haces una tontería con ínfulas… pues la crítica te da por todas partes. Y te jodes. Vete a bailar la conga a la Berlinale (que lo hicieron) o pégate la juerga padre en tu mansión de la Toscana (que también), pero siendo tu cuarta película como director y habiendo ganado ya varios Oscar… pues manda huevos. Nada en “Monuments Men” funciona: ni el drama, ni la acción, ni… bueno, iba a decir “ni la comedia”, pero la verdad es que algo de eso sí tiene, aunque resulta más una broma pesada que otra cosa. Y que nadie me entienda mal: no es que me moleste su falta de pretensiones (el dinero es suyo y pueden hacer lo que quieran), pero cuanto menos, haz una película que se pueda definir. Después de un prólogo que remite precisamente a ese cine del que hablaba al principio, muy también a lo “12 del patíbulo”, los personajes aquí caen en una planicie de la que es imposible sacarlos e incluso los malos de la función parecen sacados de una primeriza producción de Disney. Son malos porque son nazis. Y punto. Por no hablar de la subtrama pseudo-romántica entre Damon y Blanchett, que no podría interesar menos y parece una simple excusa para meter entre tanta testosterona un pequeño toque femenino. Ese careo final entre el personaje de Clooney y un miembro de las SS suena más a “Hola, soy el puto amo de Hollywood y estoy aquí, hablando contigo, que eres un actor desconocido, pero te estoy pagando una sesión. Para que presumas con tus amigos”, que a un ajuste de cuentas real con los adalides del III Reich que se antoja como forzado visto lo anterior. Ventajas e inconvenientes.de ser George Clooney.

Resumiendo: sin ser una pérdida de tiempo y entendiéndose como un homenaje al género bélico de los años 50, “Monuments Men” falla incluso como “película de compadreo” y queda relegada a ese género (tan reivindicable, por otra parte) de “película siestera del finde”.

Memorable: el momento donde, mientras un grupo de heridos agoniza en el campamento médico, suena por un megáfono un “Merry Little Christmas” cantado a capella.

Mejorable: en una película que alardea de ser un mero entretenimiento, me sobran esas voces en off que parecen añadidas después del rodaje, con diálogos pretenciosamente reflexivos sobre la maldad de la guerra y las bondades del ser humano.

Parafraseando: después de unos minutos intentando chapurrear su idioma, el personaje de Blanchett le pide al de Damon que hable en inglés: “De no ser por nosotros, usted estaría hablando en alemán” “No, de no ser por ustedes, quizás estaría muerta. Pero seguiría hablando francés”.